quarta-feira, 24 de julho de 2013

BHAAG MILKHA BHAAG or how I rediscovered the magic of cinema

If we can say that India found itself as a nation in cinema I can say that in an Indian movie theater I reconnected myself with cinema. It was cinema as a cathartic and sacred experience, like the one everybody seeks when buying a ticket, a ticket to dream. Unfortunately the Hollywood excesses have long lost their magic touch. I’m glad I was able to dream again and rediscover the magic of cinema in a Bollywood movie.

My love for the Musical Genre is well known since it was the subject of my Master Degree in Cinema. That is why I was excited, after almost seven months in Singapore, to finally see an original Bollywood movie in a big screen. That is something that I never had access before in Brazil, considering that those productions don’t reach our internal market. It was my friend Nagaraju who, after listen to my constant requests took me to see “Bhaag Milkha Bhaag” (Run Milkha Run).

Everything regarding the experience was new, a discovery. The theater was crowd, we were at the Screens of Bombay Talkies and practically all the audience was Indian. I was curious and that curiosity wake-up my senses and made me pay more attention to my surroundings than usual. Instead of the traditional smell of popcorn and butter there was an interesting mix of musky, tea and popcorn smells in the air.

The line was huge and chaotic, people were everywhere talking and moving around. I could not really see where to go, so I just follow the flow to the theater. When I entered the room I discovered an interesting acoustic solution in the walls with a lilac fabric pinned and folded in a beautiful way. Our seats were perfect, right in the middle/middle of the cinema. The audience was energetic and there was vibrancy in the air.

Until the movie didn’t started I enjoyed seeing the shadows of the people projected in the screen while they passed in front of the movie projector. That added a magic atmosphere to the moment, especially when children discovered their shadows in the big screen and started to jump and move around playing with big images of themselves. Women wearing colorful saris completed the atmosphere.

I had impression that when Indians gather in front of a big screen something special happens and becomes easy to understand why cinema is such an important industry in their country and even why Western movies don’t make much success in their internal market. To go to the movies is a moment to dream and to share the same dream. Without really knowing I was escaping from the reality to live intense emotions for the next three hours. Sooner I would find myself in that dark room sharing and cheering my hopes and dreams for India, along with Milkha Singh and dozens of Indians.

The trailers started but the lights of the room were still on and people continued to enter and talk, but I was assured that they would be quiet as soon as the movie starts. Surprisingly I didn’t care. Everything looked so new and amusing that I was already enjoying the experience. Maybe that is the difference of being in a place where people honors cinema, of knowing that everybody there wanted the same thing: to be entertained and achieve through that entertainment a feeling of fulfillment. It was way different from the movie theaters in Brazil that are usually full of bad behavior teenagers that make noise just for the fun of disturb others.

The movie starts. It was inspired by the real life of Milkha Singh, the Indian athlete, 400m runner known as “The Flying Sikh”. He’s life is a story of persistence and overcome. I found myself cheering for him, screaming, crying, laughing, singing and almost dancing (I must admit). My attention was really kept during the entire time. It was a roller coaster of emotions and that is why I am not going to analyze the movie here. You have to live the experience and I hope you will also have that chance. What is important to emphasize is that, more than anything, the movie was a story well told without the excesses of Hollywood, without appealing to sex and preposterous special effects. The experience itself was what affected me the most. It was almost like going to the cinema for the first time. I was able to rediscover cinema and remember why I love it so much.

Thank you Naga! 

terça-feira, 7 de maio de 2013

Open letter to Ray Harryhausen

Dear Mr Harryhausen,

May I call you Ray? After growing up watching your movies and dreaming about become an animator I consider you as a member of my family, my cool uncle Ray, my Godfather. It may sound presumptions but is part of the fantasy.

I have just received the news that you passed away, and I can’t avoid crying. That’s why I wrote you this letter. I know we are all humans and that death is the only certitude we have in life, but is only when it really comes that we are remembered of that tragical fate. 

As I wrote to you once, my favorite of your movies is Clash of the Titans. I watched it so many times when I was a kid that I knew all the lines. There is something special about that movie, the greek mythology biding together the animated creatures and live-action. Later on I went to the Fine Arts School eager to learn animation and it was there that I was able to study you and know all your films. You became my master, my role model, my inspiration and the reason I discovered and love stop-motion animation.

Imagine my excitement when my Professor, Heitor Capuzzo, told me that he was going to interview you and asked us to send some questions that we would like to make to you. For a Brazilian student, it was more than I could possibly dream. But I didn’t have anything to ask you, instead I decided to write you a letter thanking you for making your films, and for making me dream through them. I didn’t thought my letter would find its way to you. It was so emotional and personal, like this one, that I thought my Professor would never deliver it to you.

Imagine my surprise when Professor Capuzzo cameback from the United States and he told me he had printed the letter and delivered it to you in person. I was in shock and glad at the same time. My english was much worse than today and I couldn’t believed that my written words have reached you. But more was yet to come.

Three months later, I was working in the lab at the University when I received a letter. The envelope was addressed like that: 
Christine Veras
Student of Cinema and Animation
at the Federal University of Minas
Gerais, Belo Horizonte
South America

I couldn't imagine who could possibly send me a letter like that, without real address or zipcode. Somehow the letter arrived at the President’s office and they send it to the School of Fine Arts, where I received it. When I took the letter in my hands and turn the envelope to check the sender I saw the label Harryhausen. I start shaking, crying and laughing and I couldn’t open the letter right away. My colleagues didn’t understood what was happening until I show them the envelope.

It was a delightful letter from you, Mr. Ray Harryhausen, thanking me for my “enthusiastic and kind letter” delivered to you while in Los Angeles. I couldn’t believe. That letter is a precious treasure that I kept framed for so many years, like my dream of doing animation. Now, after I finally decided to take action and invest my future in animation by doing a PhD research on it, that letter travelled with me to remember me constantly why am I here. I am trying to live the dream inspired by your films, as you were once inspired by King Kong. That changed it all...

You certainly lived a great life and inspired so many generations. I just want to say that for me you didn’t died today you just went to Mount Olympus to take your place near the gods. I hope you will have fun watching was from above...

Thank you for everything, Ray!

sexta-feira, 21 de outubro de 2011

Os náufragos da louca esperança, uma criação coletiva do Théâtre du Soleil

Descobrir o Théâtre du Soleil foi uma experiência única e inesquecível.
Ao chegar no SESC Belenzinho em São Paulo, fomos surpreendidos por uma fila enorme de "sem ingressos". Não era o nosso caso e assim nos direcionamos para a tenda do espetáculo.
Ao entrar, a primeira emoção é passar pelos camarins, estrategicamente posicionados em nosso caminho. Através de cortinas de rendas cedemos ao nosso lado voyeur ao ver os atores, em trajes de época, se arrumando e se maquiando para o espetáculo. Tudo isso surpreende e ajuda a entrar no clima. É irresistível olhar para eles, uma viagem no tempo regada ao som da trilha de Jean-Jacques Lemêtre.
Ao chegar na platéia somos surpreendidos por uma enorme arquibancada, que apesar de devidamente acolchoada nos faz temer as 4horas de espetáculo que se seguirão. Lugares encontrados, aguardamos ansiosos o início do espetáculo. As 19h pontualmente Ariane Mnouchkine, diretora do grupo, vem a frente para falar com o público. Sua simpatia e grande coração me fazem emocionar pela segunda vez. 
Em seu discurso ela explica que lá fora existe uma enorme fila da "esperança", e por esse motivo ela pede para nos juntarmos um pouco mais uns aos outros para assim dar lugar aos "náufragos da esperança". Como o espetáculo ficará em cartaz apenas por  mais alguns dias seria gentil salvarmos essas almas perdidas. Aí tem início uma verdadeira missão de resgate. Atores da trupe ajudam a direcionar os náufragos a seus lugares. Todos saltam um pouquinho mais para o lado na esperança de conseguir espaço suficiente para abrigar mais alguns. 
Esse simples gesto para ajudar o próximo e toda a movimentação gerada no público renovou minhas esperanças na humanidade. A cada pessoa que entrava correndo, meio perdida, rindo de felicidade por ter conseguido estar ali, era mais um náufrago salvo. Naquela noite, fico feliz em dizer, que todos os náufragos foram salvos.
Cortina baixada, alegria no coração e expectativa para o início do espetáculo. As cortinas se abrem e um palco imenso é revelado. Ainda no escuro a história é contextualizada com a visita de uma parente dos protagonistas redescobrindo em um velho sótão suas obras. No acender das luzes voltamos no tempo e pessoas começam a correr de um lado para o outro. Seguram cordas, arrastam cenários, tudo num corre-corre que deixa o espectador sem saber ao certo para onde olhar. A magia começa. Como crianças encantadas nossa curiosidade é aguçada. Para que tudo isso? Porque eles tanto correm? O que estão aprontando?
Conforme afirmou Danilo Santos de Miranda, Diretor do SESC-SP, "Composto por duas narrativas paralelas, Os náufragos da louca esperança (Auroras) apresenta, inicialmente, momentos anteriores à eclosão da Primeira Guerra Mundial, em 1914, quando pessoas fascinadas pelo cinema reuniam-se na guinguette Fol Espoir, onde desejavam filmar a ficção criada por Júlio Verne [Os náufragos do Jonathan -  Júlio Verne - final do século XIX]."
Obviamente palavras não são suficientes para descrever o espetáculo que se seguiu. Assistir a uma peça de teatro relacionada ao primeiro cinema, foi para mim uma das experiências mais marcantes que já vivenciei. O espaço cênico, a movimentação dos atores tudo funcionava como partes de uma engrenagem em caótica harmonia. A ideia de coletividade e de sociedade igualitária eram expressas em cada gesto. Todos por um bem comum. Tudo em nome do entretenimento de qualidade. Todos a serviço do encantamento do espectador.
Efeitos especiais físicos e soluções criativas para inovar com a "nova tecnologia" do cinema não faltaram no filme dentro da peça. Tramas paralelas pontuando momentos históricos. Enquanto nós, dentro daquele sótão, presenciávamos a criação de mundos novos. Navios surgiam e naufragavam. Carruagens em fuga no meio da noite. Casas que viravam do avesso. A intensidade, a alegria e a união dos atores é algo que se sente no ar. Situações absurdas, muito riso e emoção marcaram essas 4 horas. O universo criado por Ariane Mnouchkine é algo que nos faz desejar fazer parte, como um sonho bom que não se quer acordar.
Ao final, com lágrimas nos olhos, tive a certeza de ter visto um dos mais belos espetáculos. Só agora percebo que era uma náufraga, perdida num mar de entretenimento fútil, mas fui salva a tempo para perceber que tudo aquilo que sempre acreditei não só é possível, mas existe e está sendo feito pelo Théâtre du Soleil. Eis a Aurora. Intenso, emocionante, o mais humano e comunista dos espetáculos. Comunista no sentido mais utópico de seus sentidos, que assim o deixa de ser para tornar o sonho real no palco do Théâtre du Soleil.
Obrigada ao Serge Borg e Joël Girard por me proporcionarem tão maravilhosa descoberta.

Assim queridos amigos, tudo que posso dizer-lhes é que se tiverem uma chance na vida de assistir a um espetáculo do Théâtre du Soleil não a percam. É entretenimento do mais alto nível. O teatro como deveria ser... sonho tornado realidade.

Para conhecer o Théâtre du Soleil
Fundado em 1964, o Théâtre du Soleil permanece ligado a ideia "grupo de teatro". Ariane Mnouchkine estabelece a ética do grupo sobre regras elementares: os profissionais formam um todo só, todos recebem um mesmo salário e o conjunto da companhia se envolve no funcionamento do teatro (manutenção diária, acolhimento do público no momento do espetáculo). O Théâtre du Soleil é um dos últimos grupos de teatro a funcionar como tal hoje na Europa.

Fotos da construção do palco do espetáculo no SESC Belenzinho: http://www.theatre-du-soleil.fr/thsol/nos-actualites,5/la-tournee,362/sao-paulo-du-5-au-23-octobre-2011,1338


quinta-feira, 1 de abril de 2010

Anima Mundi 2009: Sita sings the blues

Minha grande expectativa no festival de 2009 era assistir ao longa Sita sings the blues. Essa premiada animação de 2008 (Festival de Annecy) possui uma interessante história de bastidores. A animação é baseada na experiência real da diretora Nina Paley com seu namorado que foi para a India e depois de algum tempo a abandonou. A idéia surgiu durante a fossa de Nina que resolveu ler a epopéia indiana Ramayana, e acabou decidindo assim contar seu drama com a ajuda dos personagens clássicos indianos.
A trama desenvolve-se em diferentes narrativas. Cinco histórias são contadas relacionando-se direta ou indiretamente com a história da autora. Cada uma realizada em um processo de animação diferente, com estética e design particulares.

Depois de ter problemas com a distribuição do filme Nina decidiu disponibilizá-lo na íntegra sob licença Creative Commons. É isso mesmo, todos podem assistir, copiar e exibir o filme dela gratuitamente. Com isso o filme de Nina propõe uma relação mais próxima entre público e obra, condizente com o momento vivido pela internet e contrapondo-se a resistência das grandes corporações em ceder ao formato. Apesar de longo e possuir alguns momentos cansativos, o longa diverte ao narrar a história sob um ponto de vista ocidental de uma tradição oriental, muitas vezes incoerente e absurda aos nossos olhos. Para conferir a obra, dar download, compartilhar e divulgar acesse o link abaixo:
A bandeira levantada por Nina Paley e sua opção pela disponibilização gratuita de seu filme aponta para uma tendência analisada recentemente no livro “Free” de Chris Anderson, editor da revista Wired. “Free” propõe que novos modelos econômicos, sociais, de comportamento, de trabalho, entre outros são cada vez mais necesários. Para conferir a obra, gratuita apenas no formato audiobook, acesse o link:
Para fechar o argumento de Nina Paley, segue abaixo texto publicado em seu blog, apresentando de maneira sintética uma crítica aos modelos de negócio simplistas (escrita é claro de uma forma que os criadores desses modelos entendam), mas ao mesmo tempo propondo uma opção interessante (e até então inédita) aos produtores de filmes:
“People seem to want to believe that just freeing works is some magic recipe for success. It isn’t. But since people crave simple business models, I came up with one this morning:
Any Two = success
A very good (Quality) film can succeed if it is Free (Freedom) OR has a big promotional budget (Money). A Free film can succeed if it is very good (Quality) or, if it’s not so good, it has lots of paid promotion (Money, because if it’s not good people won’t promote it on their own initiative). A film with lots of Money will succeed if it’s good (Quality) or if it’s Free. Imagine how much further a crap film could go if it’s not only heavily advertised, but Free to share too.
With only one of these properties, a film is unlikely to succeed. If a film is very good but neither Free nor Moneyed, no one will hear about it and it won’t have a chance to become popular. A Free film that sucks won’t go far. A Moneyed film will garner attention only as long as it’s being promoted; once ad spending stops, audience attention goes away.
With all three of these elements, you’ll have a success the likes of which the world has never seen. Moneyed productions have yet to be Free, but maybe someday, for some reason, someone will pour tons of cash into promoting a Free, Quality production. Of course if it fails, that will be due to insufficient Quality, which can’t really be measured and for which no one wants to take responsibility. If someone wants to try this experiment with Sita Sings the Blues, which is already considered “good” and is forever “free,” be my guest!
Given the financial dire straits of the independent film industry, filmmakers should really be looking at Free, because they’re unlikely to have Money. And everyone, always, should be focused on Quality, no matter what business model they prefer. Except Quality is a mystery, and worrying about it does not lead to better Art. But if you happen to luck into some Quality, you know what to do now.” (http://blog.ninapaley.com/)
Para finalizar em estilo indiano, fica a sugestão da HQ de Sanjay Patel, “Ramayana: Divine Loophole”. Animador da Pixar que trabalhou nos filmes “Os Incríveis”, “Ratatouille”, “Monstros S.A.”, “Toy Story 2”, entre outros. O próprio Patel sofreu restrições de sua editora com relação à disponibilização de imagens do livro online. De qualquer forma em seu site parte do trabalho pode ser conferido e, com certeza, o contato físico com a beleza de seus desenhos no livro ainda é uma relação que não pode ser reproduzida digitalmente:

terça-feira, 15 de dezembro de 2009

O 3D digital e a expectativa em torno de Avatar

Os comentários de cinema desta semana foram dominados pelas notícias do assombro causado por Avatar de James Cameron. Os críticos parecem unânimes em exaltar o filme, com um cuidado particular de frisar que não se trata apenas da tecnologia 3D, mas que a história do filme é muito empolgante, uma narrativa muito bem estruturada. Um feito que James Cameron já havia conseguido com Titanic (1997). Num momento em que a tecnologia digital causava muito mais frisson que agora (já amortecidos que estamos diante do bombardeio de imagens digitais), Cameron integrou os efeitos visuais à narrativa. Pode-se até não gostar de Titanic – questão de preferências pessoais sobre a qual não quero me deter -, mas há de se reconhecer que em nenhum momento o filme parece ter sido feito para o efeito visual; ao contrário, o efeito visual está em função da narrativa, da necessidade de concretizar visualmente as situações dramáticas roteirizadas.

Confesso que fiquei muito impressionada com o trailer 3D de Avatar. Era muito nítida a diferença da imagem do filme de Cameron em relação aos outros trailers e ao próprio filme a que fui assistir. A minha sensação em tão pouco tempo (o trailer deve durar uns 2 minutos) é de que a tridimensionalidade mais impressionante é a da construção para dentro da tela – embora, lógico, houvesse, no trailer, muitos objetos e personagens que avançavam em direção à platéia. Penso agora que talvez tenha me sentido como os primeiros espectadores de cinema – há um relato de que no filme Repas de bebe (1895), em que Louis Lumière filmou seu irmão Auguste e sua esposa alimentando o bebê, os espectadores ficaram tão assombrados com o realismo e detalhe da movimentação dos galhos e folhas das árvores em segundo plano quanto com a própria ação registrada. Essa forma de utilizar o 3D, sim, me impressionou, e até empolgou, bem mais que o avançar de personagens e objetos sobre o público. Ampliar a tela plana para dentro tanto quanto para fora parece-me um caminho possível, não apenas um modismo. O trailer de Avatar me fez pensar que talvez seja possível me acostumar com esta visualidade, mais que isso, com esta nova experiência espacial no cinema.

Assisti até o momento a três filmes em 3D digital: Coraline e o mundo secreto, Up – altas aventuras e Tá chovendo hambúrguer. A respeito dos três, posso dizer que foi bem comedido o uso do 3D – não há exageros na projeção para fora da tela. O que acho ótimo, pois, apesar de toda empolgação com o 3D do Avatar, sou daquelas pessoas que gostam de cinema, não de demonstração de computador. Desagradam-me, até me irritam, os filmes feitos apenas para exploração da técnica. Reconheço a necessidade disso para o desenvolvimento de algo novo – afinal, o início do cinema foi também esta experimentação, na base da tentativa e erro e da observação do que dava certo em relação ao público e do que oferecia novas possibilidades e poderia ser incorporado à nova linguagem -, mas prefiro os filmes nos quais os efeitos e a tecnologia estão em função de algo e não de si mesmos.


Gosto muito da visualidade e da animação do filme de Henry Selick, embora a história não consiga me envolver – a menina é adolescente americana demais para meu gosto. A abertura, sim, é encantadora; trilha, animação, objetos que saem da tela... tudo contribui para que o espectador entre neste universo mágico da história, da animação stop motion, da imersão proposta pelo 3D.

Sim, sou consumidora compulsiva de animação de todo tipo e nacionalidade, desde criança quando não perdíamos sequer uma matinê Disney. Como sou a terceira de quatro irmãos, e tivemos um pai que, possivelmente, gostava mais que os filhos de Quadrinhos e Animação, me tornei espectadora de cinema antes mesmo de entender o que era. Não me lembro do primeiro filme a que assisti, é como se o cinema sempre tenha estado em minha vida, desde sempre.

Não que seja um incômodo enquanto se está assistindo ao filme, mas me ressinto no Coraline de o stop motion parecer computação. Não sei se a tecnologia 3D se sobressai tanto que perturba a percepção de que são bonecos sendo movimentados tão fluidamente ou se a tecnologia 3D na filmagem, na finalização e/ou projeção altera a imagem o bastante a ponto de apagar os traços da técnica de animação de bonecos. O que é uma grande lástima! Acredito que a grande magia do stop motion seja se deixar perceber como uma técnica que movimenta objetos inanimados, sujeitos às leis da gravidade, ao espaço que também habitamos (mas que não permite que objetos se movimentem sozinhos, que ganhem vida). Mas este não é um “problema” só do Coraline. Tive alunos que acreditavam piamente que o A noiva cadáver (2005), de Tim Burton, era pura computação. A excelência na criação de mecanismos de movimentação, de expressão facial, de filmagem e na técnica de animação dos bonecos tem caminhado para um fotorealismo que, paradoxalmente, obscurece essa mesma excelência técnica. Tudo parece digital e o digital anda banalizado.


Surpreendentemente, para mim, das três animações em 3D a que assisti, Up me pareceu a que menos explora (para o bem ou para o mal) a tecnologia. Lá pelo meio do filme dá até para esquecer que estamos assistindo a um filme em 3D – não apenas por causa da narrativa, mas por que parece que a imagem não tem mesmo o tempo todo uma construção perceptível do 3D. Não chega sequer a ser um problema, afinal, a Pixar prima pela narrativa aliada à tecnologia. A história de Up é bem contada e encantadora o bastante para prender o espectador.

Um dos melhores momentos do humor do velhinho é de uma cena que aparece já no trailer do filme. Quando acaba de "decolar" e ele está feliz dentro de casa, ouve alguém bater à porta. É o escoteiro. Diante de uma criança apavorada na varanda e que pede para entrar, ele é categórico: Não! E fecha a porta.

Tá chovendo hambúrguer

Eu assisti ao Tá chovendo hambúrguer por puro acaso – fiquei presa no shopping numa tarde de tempestade em Belo Horizonte e ia começar uma sessão daí a meia hora. É um filme bastante esquecível, dispensável em termos narrativos e tecnológicos. A história caberia num curta-metragem muito bem, o design dos bonecos é muito pouco atrativo e, confesso, nem me lembro do 3D do filme. Este filme me lembra as discussões do meu orientador, Heitor Capuzzo, numa disciplina da pós, quando ele criticava justamente a visão obtusa atual de que tudo deve ser feito em animação 3D digital (como se houvesse uma evolução no cinema pela qual toda técnica anterior é extinta e se torna obsoleta diante de uma nova). A construção de personagens, não só no cinema, mas também na literatura e no teatro, permite que sejam pensados como seres complexos ou superficiais, os quais recebem os nomes, bastante apropriados para nossa discussão, de personagens redondos ou planos. Deve-se pensar na técnica de animação a ser utilizada também em função da construção dramatúrgica da personagem. Em Tá chovendo hambúrguer vejo a ilustração do problema de fazer em 3D, isto é, tridimensionalmente, personagens que não têm mais que uma dimensão, planas. Há uma incongruência fundamental entre a dimensão visual e a dramatúrgica. Nem o mais impressionante 3D daria profundidade a esta animação. Bem... este não é o único problema do filme, mas talvez em 2D fosse mais apropriado.

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Diante destas minhas três experiências com os filmes 3D, só resta esperar para ver Avatar. Só para ser a voz dissonante, antes mesmo de ver o filme: o 3D do trailer me impressionou, mas não os seres digitais, os Na´vis. Tenho problemas com este tipo de criação no cinema - Acho que JaJa Binks me traumatizou mais do que pensava.

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Sobre o problema da legendagem – isto é, o porquê temos que sofrer assistindo aos filmes 3D digital dublados, leia post do UOL Cinema de 17/03/2009.

quarta-feira, 2 de setembro de 2009

Anima Mundi 2009 - Michel Ocelot

Infelizmente não tive a oportunidade de assitir ao Papo Animado com Michel Ocelot no dia 17/07 no Rio de Janeiro. Coisas de Anima Mundi, que começa a venda de ingressos para esses encontros uma semana antes do início do Festival, deixando de fora aqueles que vêm de outros estados. De qualquer forma o trabalho de Michel Ocelot é um velho conhecido e pude assistir à sessão com seus curtas, já disponíveis em DVD, mas ainda sem lançamento no Brasil.

O curta “Les 3 inventeurs” (França – 1980) foi o primeiro curta de Ocelot, fato realmente impressionante, devido a qualidade da animação e ao alto grau de dificuldade da técnica escolhida. Ele animou com papel rendado, daqueles que se utiliza para enfeitar pratos de bolo e doces. A delicadeza do papel adequa-se à história narrada de uma família de inventores incompreendida por sua comunidade. No you tube um pequeno trecho dessa animação está disponível, mas a qualidade do vídeo não faz jus à animação. Abaixo algumas imagens:

Michel Ocelot, de formação publicitária, não tem receio de arriscar. Com domínio na animação de recortes e de sombras ele não hesitou ao enveredar-se na computação gráfica desenvolvendo histórias bem contadas nessa nova tecnologia, a exemplo de seu “Azur e Asmar” (2006). Seus longas são conhecidos em todo o mundo. Sua infância na Guiné o influenciou a criar o personagem Kirikou (1998 e 2005), conquistando fãs mundo a fora. Fato comprovado pelas dublagens da animação em diversos idiomas. Ele chegou ainda a animar a canção XXX para um clipe de Björk.

Em suas próprias palavras "O uso do 3D proporciona muitas coisas boas, mas sua fraqueza é justamente o poder que ele tem: pode-se imitar tudo. Nas técnicas em 2D o espectador entende de imediado o que é proposto: que aquilo é uma brincadeira onde ele é convidado a entrar, há um pacto com a simplicidade." Segundo informação do blog do Anima Mundi 2009 ,para os próximos trabalhos Ocelot pretende voltar ao 2D utilizando das novas tecnologias.

Animador diversificado Ocelot é um dos poucos que pode se dar ao luxo, hoje em dia, de dizer que vive de animação. Sua estabilidade financeira lhe permite fazer os filmes que gosta, com liberdade artística, para deleite do público. Aguarda-se ansiosamente um retorno de Ocelot às técnicas tradicionais ou mesmo experimentais que o consagraram.

terça-feira, 21 de julho de 2009

Anima Mundi 2009 – Curtas Experimentais

Em sua 16º edição o Festival Anima Mundi surpreendeu pelo experimentalismo dos curtas em tempos de massificação do digital. Nesses meus 9 anos de Festival destaco nessa edição de 2009 três momentos que dividirei em postagens separadas: curtas experimentais, Michel Ocelot e o longa-metragem “Sita sings the blues”.
Nesses anos que acompanho e participo do Anima Mundi no Rio de Janeiro (em 2004 tive 2 filmes no festival: “Tequila” no Anima Web e “Navio Negreiro” no Animação em Curso) comecei a perceber que o digital avançava com tal força que parecia que as pessoas deixaram de refletir sobre as animações que realizavam e criavam efeitos especiais chamando-os de filmes.
Foi uma grata surpresa perceber que na edição 2009 a maioria dos filmes, mesmo que feitos em computação gráfica, apresentavam uma visão de mundo diferente e procuravam utilizar o digital de uma forma mais experimental e até ousada. Mesmo que o fechamento da história, um roteiro bem amarrado, em alguns casos ainda deixem a desejar.
Em praticamente 2 dias consegui ver 48 curtas e 1 longa. Vários filmes destacaram-se e me surpreenderam durante o Festival, mas por diferentes motivos. Destaco aqui aqueles cujo experimentalismo me chamaram mais a atenção:

MUTO, de Blu (Itália)
Ganhador do prêmio de melhor animação, júri profissional Anima Mundi (RJ).
Muto é uma animação realizada nos muros das cidades de Buenos Aires e de Baden. Através de grafites registrados quadro-a-quadro, as estranhas formas realizadas pelo artista Blu ganham vida. O tempo muda, o sol muda e com ele a luz, pessoas passam como se nada estivesse acontecendo. Somente quando as imagens produzidas são editadas é que a animação pode acontecer, como se estivesse em um mundo paralelo à nossa realidade. Na cegueira do cotidiano Blu estaria apenas realizando mais um grafite, mas através do “olho mágico” da câmera sua arte se faz. O tremor da câmera, a mudança da luz e outros inconvenientes perdem sua força para a animação. Essa relação entre a concretude do muro, estrutura estanque, e o inusitado movimento dos desenhos resgatam uma magia quase perdida no universo da animação. A magia de “dar vida” ao inanimado, como se fosse possível ver a alma das coisas. Por mais bizarros que os desenhos sejam, o encanto da forma e da técnica superam qualquer expectativa. Blu chega a utilizar o chão além da parede, rompendo até mesmo com os limites convencionais que do grafite. É bom lembrar que animações assim dão muito trabalho para serem realizadas, mas seu resultado continua insuperável.
Para complementar Muto é lançado na íntegra em licença creative commons, ou seja, todos podem baixá-lo, exibi-lo e copiá-lo desde que seja para finalidades não comerciais. Confira abaixo essa impressionante animação e visite o site de Blu para conhecer mais sobre seu trabalho.


NO CORRAS TANTO, de César Díaz Meléndez (Espanha)
A beleza da técnica de animação em areia consagrada pelo animador húngaro Férenc Cakó ganha novo fôlego no impressionante trabalho de César Díaz Meléndez. Com uma música caliente as formas vão se dissolvendo e recriando-se na areia. A interação com a música impressiona pelo timing preciso e os desenhos elaborados que se movem e se fundem ao ritmo da alegre música.
A utilização do espaço na animação é algo que sempre me impressionou, especialmente em processos mais artesanais e esse é um ponto marcante na animação “No corras tanto”. Transbordar os limites, recriar o espaço e com ele abrir as portas para um mundo próprio da animação. Mundo este onde tudo é possível, onde as leis dos homens é constantemente subvertida, onde os sonhos e as formas mais improváveis tornam-se possíveis.
Nesse mundo todo peculiar o mais interessante é que aquilo que se realiza quadro-a-quadro só poderá ser visto através de um dispositivo que potencializa o olhar do espectador, fazendo-o ver aquilo que a olho nu seria imperceptível. Os desenhos se formam e desaparecem, sendo recriados a cada instante. A maleabilidade do material e sua efemeridade associam-se em harmonia no filme de Meléndez. O uso de areia colorida, a suavidade no jogo de luz e sombra e as tonalidades conseguidas impressionam. Confira a animação "No corras tanto" abaixo e em seguida seu making of (que apesar de interessante não apresenta a transformação quadro-a-quadro de seus desnehos na areia):

MON CHINOIS, de Cédric Villain (França)
Ganhador do prêmio de melhor animação, júri popular Anima Mundi (RJ).
Este é um filme encantador que por sua simplicidade conquista o público. Fazendo uso de todos os clichês que o ocidente possui sobre os chineses, a forma adequa-se ao conteúdo. Através de uma animação limitada 2D realizada no computador, a comicidade ingênua é aspecto marcante. Passados como slides, os estereótipos dos chineses são apresentados com diferentes materiais interagindo com a animação, como por exemplo a mão do animador e até um limão. Este filme foi realizado em 2008, época das Olimpíadas de Beijing, como participante do 12º Défidéfous (http://www.fousdanim.org/defis/), um concurso francês de animação com temas determinados. Nessa edição “as sombras chinesas” eram o asunto a ser animado. MON CHINOIS foi inspirado em uma sátira aos chineses cantada por Eric Idle, do grupo inglês Monty Python, na década de 1970.
Do mesmo animador, o filme PORTRAITS RATÉS À SAINTE HÉLÈNE, utiliza a mesma técnica de MON CHINOIS, mas dessa vez o caráter didático e histórico da animação dão o tom.
Levanta-se a questão sobre a verdadeira imagem de Napoleão, que foi retratado de diferentes formas pelos artistas da época e que morreu antes do advento da fotografia. A animação é precisa e caracteriza-se pelo aspecto infográfico com que apresenta a informação. A comicidade também presente diverte e informa sobre os absurdos das situações humanas. Ambos os filmes estão disponíveis para visualização e download sob licença creative commons. Confira no site do animador essas animações entre outros trabalhos:


ENGEL ZU FUß, de Jakob Schuh e Sachka Unseld (Alemanha)
Esta animação alemã encanta não só pelo tema como impressiona pelo uso da computação gráfica com características de stop-motion, ou seja, o volume e a textura dos bonecos parecem palpáveis. O design dos personagens e a direção de arte estão bem relacionados nessa história de um anjo feminino (mesmo que os anjos não tenham sexo) que caiu do céu porque suas asas são muito pequenas. Meio desastrada ela se mete em confusões ao tentar de todas as formas voltar para o Céu, mas descobrirá entre os homens que somente a verdadeira generosidade pode levá-la de volta. Infelizmente não há link disponível para esse filme.

LASKA, de Michał Socha (Polônia)
Neste filme polonês é a composição que se destaca. O uso criativo dos espaços utilizando apenas as cores vermelho, preto e branco surpreende ao criar perspectiva, volumes e sombras inusitadas. Tudo a serviço desse mundo estranho em que os seres e as formas possuem um comportamento que se assemelha ao dos humanos. Com personagens feitos de formas básicas e borrões com textura de tinta, essa animação realizada em computação gráfica 2D e 3D apresenta de forma estranha os rituais de encontro e acasalamento desses seres que representam o feminino e o masculino. Veja o site e confira seu trailer:


ARC, de Ferenc Cakó (Hungria)
Ao deixar de lado a técnica de animação em areia que o consagrou, o animador húngaro Ferenc Cakó faz uso da massinha para expressar questões mais profundas e intrigantes sobre a condição humana. Ao criar uma sociedade decadente em que a promessa de um belo rosto move seus inexpressivos habitantes sem face ele ironiza a eterna busca humana pela felicidade através da beleza. Após passar por burocráticos processos para conseguir o tão desejado rosto os habitantes sentem-se enganados chegando a depor violentamente a estrutura administrativa vigente. Chegam ao criar uma sociedade colaborativa e descobrem a alegria de ajudar o outro, mas até quando. Como toda animação do leste europeu as possibilidades de interpretação são diversas e questões ainda mais profundas podem ser levantadas. A massa de modelar que permite ser modelada por si mesma faz com que a escolha deste material seja imprecindível para a história a ser narrada. A mesma animação não teria a mesma força se fosse contada com areia. Mesmo que o filme não esteja disponível online confira o site desse importante animador:


A adequação do material a ser animado ao filme deve ser observada e, na verdade, esta é uma característica marcante dos filmes aqui apresentados. É como se a história não pudesse ser contada de outra maneira a não ser com a técnica escolhida. Essa união entre forma e narrativa pode garantir o sucesso do filme. Afinal, não é qualquer história que pode ser bem contada com qualquer técnica.

Observação sobre os três curtas brasileiros que vi: é impressionante como no Brasil ainda tenta-se compensar a falta de animação dos filmes com narração. É como se os animadores não acreditassem no poder narrativo da imagem que concebem e preferissem garantir a compreensão do público através das falas óbvias. O que há de errado em fazer o público pensar? Viva a tradição do leste europeu e seus filmes silenciosos.